111).-La Luz Sagrada (santo sepulcro)

La Luz Sagrada (santo sepulcro)

La Luz Sagrada es un milagro que ocurre cada año en la iglesia de Santo Sepulcro, Jerusalén en el Sábado Santo, un día antes de la Pascua ortodoxa. Se considera el mayor milagro anual. Este milagro está bien documentado desde el año 1106, las menciones anteriores son escasas. El ceremonial está siendo transmitido por la televisión en casi todos los países ortodoxos o con población ortodoxa importante. La Luz Sagrada es llevada en vuelos especiales hacia países como Rusia, Bielorrusia, Grecia, Chipre, Serbia, Montenegro, Georgia, Bulgaria, Rumanía, Moldavia, Ucrania, Siria, Líbano, Jordania y Armenia, siendo allí recibida con honores de grandes personalidades políticas y religiosas. Descripción El Sábado Santo, al mediodía, el Patriarca griego junto con su clero, seguido por el Patriarca armenio con su clero y con el Obispo copto, desfilan en una procesión solemne, cantando himnos, tres veces alrededor del Santo Sepulcro. Una vez acabada la procesión, el Patriarca de Jerusalén u otro Arzobispo lee una oración especial, se quita la túnica y entra solo en el Santo Sepulcro. Los prelados armenios y coptos se quedan en la pre-cámara donde se dice que se apareció el ángel [a María Magdalena] después de la Resurrección [de Jesús]. Después que el patriarca entrase en el Santo Sepulcro, los allí presentes cantan Piero Diaz [en griego] hasta que la Luz Sagrada baja y enciende las 33 velas atadas juntas por el patriarca mientras estaba solo en el Santo Sepulcro de Jesús. Después de tener las velas encendidas el patriarca sale del Santo Sepulcro y comparte luz con otras 33 velas o 12 velas rezando. Los peregrinos relatan que el Fuego Sagrado no les quema ni el cabello ni la piel ni la ropa en los primeros momentos después de encenderse como si estuviesen protegidos por su esperanza. Las autoridades israelitas examinan al Patriarca antes de entrar en el Santo Sepulcro, para que no se lleve consigo nada que pueda encender un fuego. Históricamente, los soldados turcos realizaban este examen. Este examen era duro, ya que los turcos no creían en este milagro y deseaban que las velas no se encendieran, para que la gente perdiera su fe. Después de no haberse encontrado ningún utensilio que permitiera hacer fuego encima del Patriarca, pero él salió del Santo Sepulcro con las velas encendidas y al instante el soldado turco cayó arrodillado convirtiéndose al cristianismo.

Underwear.

La ropa interior victoriana (1837–1901) era un sistema complejo de capas diseñado principalmente para dar estructura a la moda exterior y mantener la higiene personal en una época de vestimentas pesadas. Capas y Prendas Esenciales A diferencia de la lencería moderna, estas prendas eran funcionales y, en su mayoría, sencillas y blancas. Camisa (Chemise): La primera capa que tocaba la piel, hecha de lino o algodón. Su función principal era absorber el sudor y proteger la piel del roce del corsé. Pantaletes o Bombachos Abiertos: Eran pantalones cortos que llegaban debajo de la rodilla. Una característica distintiva es que estaban abiertos en la entrepierna para permitir que las mujeres usaran el baño sin tener que quitarse todas las capas de ropa y las estructuras rígidas. Corsé: Estructura rígida reforzada con acero o ballenas de ballena para moldear la cintura. A mediados de siglo solían ser sencillos, pero hacia finales de la era comenzaron a incluir más adornos. Estructuras de Soporte: Dependiendo de la década, las mujeres usaban crinolinas (jaulas de acero para dar volumen circular a la falda) o polisones (estructuras para proyectar la falda hacia atrás). Cubre-corsé y Enaguas: Capas finales de algodón o lana (en invierno) que ocultaban las líneas del corsé y aportaban volumen y calidez adicional. Materiales y Confección Tejidos: Principalmente fibras naturales como lino (el más popular por su frescura) y algodón (más económico). En climas fríos se utilizaba lana fina o incluso enaguas rellenas de plumas. Decoración: Durante gran parte de la era victoriana, la ropa interior excesivamente decorada con encajes o colores se consideraba "indecente", ya que no estaba destinada a ser vista. La ropa interior eduardiana (1901–1910) se diseñó para moldear el cuerpo femenino en la emblemática silueta de "S".  Consistía en capas de algodón blanco y lino decoradas con encajes y bordados, destinadas a proteger la piel de las ballenas del corsé y dar volumen a las faldas. Prendas Principales El corsé recto en forma de S: A diferencia del corsé victoriano con forma de reloj de arena, este empujaba el busto hacia abajo y sacaba las caderas hacia atrás. La camisa o camisola: Una prenda ligera de algodón o lino que se ponía directamente sobre la piel para absorber el sudor y evitar que el corsé lastimara. Los calzones o pololos abiertos (open drawers): Pantalones bombachos hasta la rodilla o media pierna que estaban divididos o abiertos en la entrepierna para facilitar el uso del baño. El cubre-corsé (corset cover): Una capa decorativa que se colocaba sobre el corsé para ocultar las ballenas y brindar un acabado impecable bajo la ropa. Las enaguas: Varias capas de faldas interiores livianas, a veces con volantes almidonados, para dar vuelo y un sonido característico al caminar.

l'arte della gioia  Entrevistas En Cinecittà, se reviven los trajes de la serie " El arte de la alegría" de Valeria Golino. La diseñadora de vestuario Maria Rita Barbera nos revela algunas curiosidades que quizás hayas pasado por alto. Quién hizo los trajes para ustedes? ¿Y cuánto tiempo les llevó hacerlos? Colaboramos con modistas de teatro, desde Tirelli hasta Peruzzi, e incluso viajamos a Francia y España para conseguir algunas piezas vintage, pero algunos de los materiales provenían de mi archivo personal. También pudimos montar un taller de sastrería en Roma. Fue increíblemente rápido: comenzamos en mayo, con una breve pausa en agosto, y continuamos sin parar hasta el rodaje a mediados de septiembre. Recuerdo bien la confección del vestido de la novicia Modesta; la actriz Tecla Insolia fue finalmente elegida una semana antes de los ensayos. Puedes hacer tantos prototipos como quieras, o prepararte para el personaje o el período histórico, pero hasta que no tienes a la actriz en persona, nunca sabes cómo quedará el vestido. Nunca me cansaré de decirlo: nuestra buena suerte fue que Tecla tiene excelentes proporciones; prácticamente todo le quedaba bien. El periodo histórico abarca de 1908 a 1919, así que no debió ser fácil imaginar el vestuario… Una década que muestra una evolución, incluso en términos de moda, pero nuestros personajes no experimentan plenamente el cambio. Como la serie está ambientada en Sicilia, vivían en su propia burbuja. Nos mantuvimos fieles a la burguesía de aquellos años, ligada al estilo de vestir anterior. Por eso, la vida tan limitada sigue presente. Me inspiré en parte en las fotografías de Il tempo in posa , un libreto de Gesualdo Bufalino. ¿Quién hizo los trajes para ustedes? ¿Y cuánto tiempo les llevó hacerlos? Colaboramos con modistas de teatro, desde Tirelli hasta Peruzzi, e incluso viajamos a Francia y España para conseguir algunas piezas vintage, pero algunos de los materiales provenían de mi archivo personal. También pudimos montar un taller de sastrería en Roma. Fue increíblemente rápido: comenzamos en mayo, con una breve pausa en agosto, y continuamos sin parar hasta el rodaje a mediados de septiembre. Recuerdo bien la confección del vestido de la novicia Modesta; la actriz Tecla Insolia fue finalmente elegida una semana antes de los ensayos. Puedes hacer tantos prototipos como quieras, o prepararte para el personaje o el período histórico, pero hasta que no tienes a la actriz en persona, nunca sabes cómo quedará el vestido. Nunca me cansaré de decirlo: nuestra buena suerte fue que Tecla tiene excelentes proporciones; prácticamente todo le quedaba bien. Las paletas de colores también cambian significativamente. Pasamos de los colores oscuros iniciales a los tonos pastel y los rojos intensos… La historia comienza en un convento, luego se traslada a la villa de la princesa Gaia, durante un período de luto. Aquí, todas las mujeres visten de negro, hasta que el personaje de Valeria Bruni Tedeschi decide que es hora de volver al color. Para ella, elegí un vestido extravagante, como su personalidad: un vestido verde brillante, ahora expuesto en Cinecittà, con un chaleco de mi archivo hecho de tela antigua en tonos dorados. Luego pasamos al verano, representado con tonos pálidos en linos y muselinas ligeras, excepto los hombres, como Carmine, que, debido a su estatus social, visten tonos sobrios. Para la escena final, Valeria me pidió específicamente que usara rojo para Modesta. La imaginó así, corriendo por las grises calles de Catania. Lo teñimos nosotros mismos; tiene un tono especial, y siempre se puede admirar en la exposición. El contraste con el lado humano también es hermoso. Primero Modesta y Leonora, luego Modesta y Cavallina, abandonan sus vestimentas oficiales y se muestran en camisones… Valeria deseaba que la sensualidad de estas mujeres emergiera con toda su fuerza. En el caso de la abadesa, se trata de una sensualidad que mantuvo reprimida, pero que, en privado, aún persiste. Un ejemplo: su larga melena, oculta bajo el velo, cuando el convento exigía un corte de pelo corto. ¿Cuál fue, entonces, tu mayor placer al crear esta serie? La libertad de ser moderna sin dejar de respetar el contexto. El período histórico se prestaba a detalles muy contemporáneos. Piensa en estas mujeres burguesas, con sus faldas de corte A y blusas. Al diseñar vestuario, es importante estudiar la época y respetarla, pero es aún más importante adaptarla a la personalidad del personaje. Esto la explica y la simplifica. El vestido que lleva Alma Noce (Cavallina) en El arte de la alegría Producción de alpacas negras Aunque la historia se desarrolla en Sicilia, fue una época importante para la moda femenina. Sí, porque abandonaron el corsé y, con la Primera Guerra Mundial, se incorporaron al mundo laboral, por lo que buscaron ropa más sencilla y funcional que antes. Valeria Golino, sin embargo, me pidió que mantuviera la cintura de las mujeres ceñida, con faldas sueltas. Digamos que, si hay una segunda temporada, su forma de vestir se transformará por completo con la llegada de la posguerra. El vestido que lleva Tecla Insolia (Modesta) en El arte de la alegría Producción de alpacas negras El vestido que lleva Tecla Insolia (Modesta) en El arte de la alegría Producción de alpacas negras El vestido que lleva Valeria Bruni Tedeschi (la princesa Gaia) en El arte de la alegría Producción de alpacas negras Los tocados y collares también son dignos de mención. Son un tanto artificiales, un tanto teatrales. Con su forma rígida, los velos de las monjas estaban diseñados para restringir el movimiento de sus cabezas. Jasmine Trinca, quien interpreta a la Madre Leonora, me confió lo mucho que la ayudó a meterse en el personaje. Su personaje abandona una vida de riqueza para abrazar voluntariamente el convento; solo le dejamos un anillo, que representa su antiguo estatus social. Los collares, por otro lado, son obra de Picchio: un pequeño colgante para las internas que se asemeja a un Sagrado Corazón, a diferencia de la cruz tradicional que usan las maestras. La Hermana Costanza es la única que posee uno de madera.